Video: Hito Steyerl: archivo, información, imagen, narración

En la obra de la videoartista Hito Steyerl (Múnich, 1966), la construcción del texto y la edición de la imagen amplían la condición del ensayo fílmico, reflexionando e interviniendo en los sistemas de circulación de la información y en los de presentación y representación de la obra de arte. Sus textos, conferencias, películas e instalaciones audiovisuales asocian la reflexión filosófica y política a un activismo crítico inserto en el universo de la producción y circulación de la imagen y de la palabra. Desde esta perspectiva, la artista desarrolla un trabajo crítico sobre los modos de percibir, el control, la vigilancia, así como la militarización, la migración, el feminismo o la imagen política, cuestiones a las que considera capaces de crear realidades diversas.


‘Conversation Piece’: leyendo (y conversando) el ‘Manifiesto Comunista’

Vía el amigo Juan (@elzahir2006) nos enteramos de que en el último BAFICI se proyectó varias veces esta interesante videoinstalación de Gabriela Golder (clic acá para más info sobre la artista, curadora y profesora) que posteamos abajo.

 

* Videoinstalación de 3 canales, 2012

Dos niñas leen junto a su abuela el Manifiesto Comunista. Las niñas preguntan, hay muchos conceptos que no comprenden, palabras. Una escena familiar, un retrato de familia.


Imágenes y palabras, cine(s), video(s) y preguntas: “hay tanto para descubrir en el presente” (Harun Farocki, reportaje en ADN)

Imagen 1Leemos hoy un reportaje a Harun Farocki –ya posteado en este blog: ver acá y acá–, a propósito de una muestra en Proa y la publicación de un libro), aparecido en suplemento ADN cultura:

-En films como Imágenes del mundo y epitafios de guerra, usted analiza aspectos del registro, producción e interpretación de imágenes ligadas a la vigilancia y lo bélico. ¿Alguna vez trabajó con ese otro gran espacio de producción de imágenes e interpretaciones que es la medicina?

-No, lamentablemente nunca. Valdría la pena: de la medicina y la farmacéutica hay un paso muy pequeño a la industria de alimentos.

 

-“¿La próxima racionalización necesitará otra guerra?”, se lee en un pasaje de la videoinstalación Ojo Máquina, realizada en 2002. Diez años después, ¿qué posible reformulación tendría esa pregunta?

-Creo que la pregunta conserva su validez. Se están desarrollando armas nuevas, por ejemplo, los aviones no tripulados. Sin embargo, se podría combatir y también vencer a los enemigos posibles y reales con las armas de la Primera Guerra Mundial. El desarrollo de nuevas armas probablemente no necesita de las guerras; se emancipó de la guerra real tal como lo hizo la matemática de las cuentas. No obstante, se siguen usando las guerras reales para legitimar las armas.

-En tiempos de extrema proliferación de imágenes, ¿dónde residiría el poder de mayor resistencia o cuestionamiento de lo audiovisual?

-También son muchas las palabras que están proliferando y sin embargo, algunos giros tienen un enorme efecto. Una línea de Eliot o de Lennon, por ejemplo. Es por cierto cansador o molesto que se ofrezcan cientos de canales de televisión. Pero esto recién se vuelve un problema cuando todos muestran lo mismo o casi lo mismo.

-¿Cuál es su posición frente a espacios como YouTube? ¿Qué posibilidades expresivas considera que habilitan?

-Casi siempre, cuando me mandan un link, lo que se ve es un chiste estudiantil. Raras veces he visto en estas plataformas un montaje interesante. Bueno, hasta en el diario a veces se puede encontrar una combinación de palabras poética. Pero lo que sí hay en YouTube es material de archivo increíble, por ejemplo de instituciones científicas, que representa un gran tesoro. Si pensamos que el inglés cuenta con 100.000 palabras y que Shakespeare usó apenas 6000, podemos tomar conciencia del orbis pictus existente. Nos damos cuenta: conocemos tan solo una cantidad ínfima de las imágenes cinematográficas existentes.

-En algunos textos se menciona que usted en alguna ocasión aseguró: “Filmo mi biblioteca”. ¿A qué tipo de diálogo entre imagen y palabra se refería?

-En aquel entonces la biblioteca iba a estar en el centro: el discurso como punto de partida de una película. Al mismo tiempo quería encontrar algo específicamente cinematográfico: no filmar pensamientos sino producir pensamientos con el cine. Pero esto cambió y en las últimas décadas los libros se transformaron en recursos secundarios. Hay tanto para descubrir en el presente. ¿Cómo se trabaja en una oficina? ¿Cómo se producen los ladrillos, en países pobres y en países ricos? En este momento trabajo sobre animación por computación, también con juegos de computación. Sobre este tema todavía encontramos muy poco en las bibliotecas.

La nota completa acá.

Y acá, otra nota: en este caso, un fragmento del libro Desconfiar de las imágenes, donde analiza el cine de Fassbinder.


Harun Farocki: los usos de las imágenes

Muestra en la Fundación Proa

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Harun Farocki, (todavía) poco conocido en nuestro país, tiene su primera muestra íntegramente dedicada a él: 5 videoinstalaciones con producciones de los últimos 15 años.

El artista tiene una larga trayectoria como cineasta: desde mediados/fines de la década de 1960, cuando se consolida la televisión como medio de transmisión masiva. (De allí en más, en el terreno del arte –habida cuenta de la TV, con su “llegada” a millones, y de la primera cámara  de video portátil, la Sony Portapack–, surgirán nuevas formas expresivas y variantes dentro del video-arte, como la videoinstalación, videoescultura, etc.). Farocki, quien mantiene una deuda con la Escuela de Frankfurt y la Dialéctica del iluminismo, Jean-Luc Godard e incluso La sociedad del espectáculo de Guy Debord, estudió en la Academia de la televisión y cine alemán de Berlín, y dirigió, con otros, la revista Filmkritik desde 1974 hasta el 84. Ha desarrollado un centenar de obras entre películas, documentales, instalaciones, ensayos y artículos y, las 5 obras que se pueden ver en Proa tienen, principalmente, dos núcleos característicos de Farocki: el trabajo fabril (y sus imágenes) y la guerra (y las imágenes y tecnologías aplicadas a ella). Un tercer núcleo, en Paralelo (2012), ilustra –y propone interrogantes– acerca de cómo avanzó, desde los primeros video-juegos, la re-presentación y re-creación de la realidad, a partir de los nuevos programas de computación. ¿Pueden estas “realidades” (virtuales-paralelas) ser “superiores”, más fieles o “perfectas”, a la realidad que vivimos los humanos?

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Yendo a las otras obras, en Ojo/Máquina II (2002) se presencia cómo mutó la industria, donde el ojo humano era clave para el proceso productivo –con imágenes en blanco y negro de las primeras décadas del siglo XX–, a los modernos misiles, que tienen una cámara-“ojo” y programas para perseguir a sus enemigos (y destruirlos, claro), sean aviones, casas o personas. Farocki propone buscar la relación entre industria y guerra, y, con la pantalla dividida en dos, permite observar el presente de estas “realidades paralelas”: la que genera un programa de computación en pos del entrenamiento militar.

En cambio Juegos serios III: inmersión (2009) muestra lo que ocurre después de los combates (reales) de una guerra, donde, en un centro de recuperación soldados norteamericanos provenientes de Irak y Afganistán, por medio de un casco (otra vez) de realidad virtual que los regresa a Medio Oriente, rememoran, en esta “terapia de inmersión”, ante “especialistas”, sus experiencias traumáticas (lo que incluye tiros, explosiones, olor a humo y goma quemada). ¿Con qué fines? Una vez más, hay cierto didactismo en el montaje y guión farockiano, que permiten muchas (y variadas, diversas) conclusiones. Por ejemplo: está la posibilidad de buscar “curar” a los soldados para que regresen, en condiciones (más o menos “dignas”), al combate; también puede ser un programa destinado a mejorar el funcionamiento de las tropas, en base a la experiencia y recuerdos de tal o cual soldados sobreviviente. En cualquier caso, la habilidad de Farocki está en no hacer una farragosa ni complicada “elaboración”, ni en dirigir unívocamente al espectador hacia los objetivos de su arte, a modo de “conclusiones”; sino en dejar una importante cantidad de “grietas” y “cosas-no-dichas” que surgen de su ensamblaje, relativamente sencillo, de imágenes y contrastes, y algunas pocas “líneas explicativas” de lo que estudia y postula ante lo que ve, lo que asocia y descubre…

Farocki-cerroPor otra parte, La plata y la cruz (2010) es una interesante combinación de las posibilidades (analíticas) del video, aplicadas al tradicional lienzo de pintura, ya que es un minucioso recorrido por el cuadro Descripción del Cerro Rico e Imperial Villa de Potosí (1758), de Gaspar Miguel de Berrío. Farucki señala sobre la Descripción…: “se muestran los barrios de los trabajadores, pero no se ven mujeres ni niños, tampoco el ganado”; “es imposible distinguir a los trabajadores libres de los trabajadores forzados”. No sólo hay un recorrido por la pintura, con sus iglesias entre las construcciones, sino (nuevamente) una pantalla partida en dos, donde se compara aquella pintura con la realidad del cerro, con su “moderna” urbanización (y una “esencia”, si se quiere, intacta, que se mantiene) hoy.

Finalmente, Trabajadores saliendo de la fábrica durante once décadas (2006) invita, desde doce televisores, a ver (y oír, cuando comienza la década del cine sonoro), desde el histórico film de los hermanos Lumiére de 1895, década tras década –Chaplin en Tiempos modernos, y Björk con Catherine Deneuve en Bailarina en la oscuridad incluidos– cómo aparecieron los trabajadores y trabajadores en diversas películas, notoriamente ante los portones, junto a una publicidad de la década de 1980 de “irrompibles”… portones para establecimientos fabriles… Para Farocki, “las fábricas –y toda la cuestión del trabajo– se encuentran en los márgenes de la historia del cine”, habida cuenta de que siempre se filman las entradas y salidas, pero nunca a los trabajadores en el proceso productivo mismo; como si la explotación y alienación no pudieran –o no debieran– ser registradas; o tal vez –como parece insistir Farocki– porque la posibilidad de ver las diversas partes de la industria funcionando podría arrojar (alguna) luz sobre lo que surge finalmente: aspiradoras y ametralladoras, como ya lo planteara cuarenta años antes.

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En suma, hay un interesante recorrido por las últimas obras de un artista de vanguardia (ya que se propone nada menos que cuestionar y criticar el “estatus de las imágenes”, y algunos usos reaccionarios que se hacen con ellas hoy), que mantiene viva la investigación y la crítica, tanto para el presente como para el pasado; que comenzó haciendo su “agitación y propaganda” en uno de sus primeros videos, Fuego inextinguible (1969), explicando su voz en off, mientras se quema un brazo con un cigarrillo, que éste “quema a 400 grados centígrados”, y que “el napalm quema a 3.000 grados”, denunciando así la guerra en Vietnam y la proveeduría de la gran industria para el ejército imperialista: la Dow Chemical. También –y tal como lo planearon en su momento Sergei Einsenstein y Alexander Kluge (quien nos dejó su obra de nueve horas)– se propuso filmar El capital de Marx y logró concretar dos cortos sobre el mismo.

Además de esta muestra, Farocki estará presente en breve en nuestro país, dando clases magistrales, una entrevista pública, workshops, y se exhibirán más películas de él. También aparecerá una recopilación de sus escritos entre 1980 y 2010 llamado, de manera muy clara y explícita acerca de lo que (se y nos) propone: Desconfiar de las imágenes.


Video: Harun Farocki: ‘El fuego inextinguible’ (1969)

 

 

 


Enio Iommi, un genio del arte

Me enteré que, hace nomás un par de meses, la Untref destacó como “profesor honorario” al gran artista Enio Iommi, y por ello decidí hacer(le) este post con unos videos que dan cuenta –seguramente sólo en alguna medida– de lo verdaderamente impactante que es su obra, como se puede (pudo) ver en la muestra retrospectiva que se hizo, hace un tiempo, en el CCR; y además está la palabra de Enio, comentando los movimientos artísticos de la década de 1940 en nuestro país, su labor bajo la dictadura y lo que siguió, además de su crítica al arte contemporáneo (“decorativo”, “para adornar casas”) y su visión sobre el consumo y la cultura actuales.

(Y pueden ver, acá o acá, la reseña que hice de dicha exposición, con algunas fotitos que tomé.)

Pasen y vean…

 

 

 

 

 

 


Viernes de agosto – 18hs – El arte del Video

El Arte del Video
Viernes 3, 10, 17, 24 y 31 de agosto – 18hs

Presentación de las 14 emisiones de El Arte del Video, mítico programa que José Ramón Pérez Orina realizó para Radio Televisión Española entre 1989 y 1991.

Programación: Jorge La Ferla
Presentan: Gabriel Boschi, Mariela Cantú, Fabiana Gallegos, Ariel Nahón, María
Eugenia Prenafeta y Sebastián Schjaer

Por Jorge La Ferla

El Simposio Internacional sobre Televisión1 realizado en 2012 en el E.F.T., contó con la presencia de José Ramón Pérez Ornia2, y como parte del mismo se programa este ciclo completo de programas de El arte del video que son referencia en la historia de la TV y del video arte. La serie de videos, que se acompaña con una publicación 3 proponen un recorte antológico del movimiento del video arte que en un hecho inédito fue concebido para la TV cuya estructura, composición de cuadro y usos de archivos contienen una revisión no lineal de las historia(s) del video. Esta saga concebida y dirigida Ornia, se complementa con equipo de excepción conformado por artistas y pensadores, que participan del proceso de investigación, escritura del guión, testimonios frente a cámara y la postproducción. Entre tantas figuras relevantes encontramos ya sea frente y/o detrás de cámara a Vito Acconci, Eugeni Bonet, Juan Downey, Anne-Marie Duguet, Philippe Dubois, Raymond Bellour, Klaus von Bruch, Robert Cahen, Dan Graham, Jean-Paul Fargier, Gustav Hamos, Gary Hill, Muntadas, Bruce Nauman, Marcel Odenbach, Nam June Paik, Woody Wasulka, Marcel Odenbach, Zbig Rybczynski, Edin Vélez, Wolf Vostell, Gene Youngblood entre otros. Cada capítulo presenta una antología temática sobre el video, su contexto, la relación con los otros medios, vertientes estéticas, genéricas y expresivas que interpela los relatos clásicos para un tema central en la historia de las artes visuales. La lectura de la serie hace añicos el relato uniforme enciclopédico o clásico histórico proponiendo una revisión crítica a partir de un modelo hipertextual que reformula el relato sobre el video experimental. La reconfiguración de los fragmentos de las obras expande el recurso de la cita hacia una composición incesante en el orden de un espacio y el tiempo de recombinación de lectura de archivos. Así, la cláusula para la referencia textual es la confrontación de los materiales originales en un orden diverso que conlleva a la reflexión y el análisis. La estructura en capas del cuadro, y la ruptura de la linealidad en los capítulos en su combinatoria sintagmática hacen de esta serie el gran museo imaginario del video arte. Fue ese mismo momento que Godard comenzaba las Historia(s) del Cine (1988-1998), con las que relacionamos directamente la obra de Ornia, por su propuesta conceptual, de la cual una producción especial encargada a Godard se inserta como parte de uno de los capítulos, como es también el caso de las producciones para la serie de Bill Viola, Jean- Paul Fargier, Gary Hill, Muntadas, entre otros. A veinte años de su recordada primera exhibición en Buenos Aires, en el antiguo Instituto de Cooperación Iberoamericana en 1991, esta muestra de la serie completa es un homenaje a este trabajo antológico.

Conducido por José Ramón Pérez Ornia. Pensar el video arte desde una producción para la televisión en su idea, materia y forma es un desafío que Ornia propone para un momento de significativos cambios en la historia del audiovisual del momento cuando el video hace entrar en crisis la producción cinematográfica y televisiva. Los programas proponen un amplio panorama de análisis y discusión de una vigencia que sólo tienen las grandes obras sobre el video, su ontología como aparato ideológico y su inserción en el campo del arte contemporáneo.

Programa
Viernes 3 – 18hs
Programa I – Presenta Gabriel Boschi
1. La edad del video (30´46´´)
2. El video es como la pintura (30´05´´)
3. Lenguajes cruzados (24´26´´)

Viernes 10 – 18hs
Programa II – Presentan Fabiana Gallegos y María Eugenia Prenafeta

4. Videoinstalación (30´18´´)
5. Memorias de la realidad (29´52´´)
6. Música para ver (31´55´´)

Viernes 17 – 18hs
Programa III – Presentan Ariel Nahón y Sebastián Schjaer

7. En torno al cine (29´50´´)
8. El video en escena (30´08´´)
9. Performance (30´52´´)

Viernes 24 – 18hs
Programa IV – Presentan Gabriel Boschi y María Eugenia Prenafeta

10. Videodanza (29´09´´)
11. Aristas invitados (30´21´´)
12. Autorretratos (29´26´´)

Viernes 31 – 18hs
Programa V – Presenta Mariela Cantú

13. Artificios (30´05´´)
14. Veinte autores españoles (30´28´´)

Espacio Fundación Telefónica
Arenales 1540 – C1061AAR
54-11-4333-1317
WEB EFT