MÉNAGE À TROIS: homenaje de tres galerías a Luis Felipe Noé

Las galerías Rubbers, Gachi Prieto y Jacques Martínez rinden homenaje a Luis Felipe “Yuyo” Noé y abordan diferentes etapas creativas de su prolífica producción visual. Sus obras, serán exhibidas en simultáneo en un proyecto inédito y durante un año muy particular.

DOSMILVEINTE. EL VIRUS REINA.

GALERIA RUBBERS

inauguración 3 de noviembre de 12 a 18 hs

+ info en www.galeriarubbers.com.ar 

Link para acceder al catálogo https://www.luisfelipenoe.com/textos/dosmilveinte-el-virus-reina/

APTO PARA TODO PÚBLICO 

Curador: Andres Waissman

GALERIA GACHI PRIETO

inauguración 5 de noviembre de 12 a 18 hs

+ info en www.gachiprieto.com 

PORQUE PINTÓ LO QUE PINTÓ, DEJÓ DE PINTAR LO QUE NO PINTÓ Y PINTA AHORA LO QUE PINTA

GALERÍA JACQUES MARTÍNEZ 

inauguración 7 de noviembre de 12 a 18 hs

+ info  www.galeriajacquesmartinez.com 

Las muestras, de entrada libre y gratuita, podrán visitarse únicamente con cita previa en turnos, contemplando todos los protocolos sanitarios de prevención correspondientes, de acuerdo a la nueva normalidad. 

“En mis películas necesito la música, pero también el silencio y la mudez” (Alexander Kluge)

 

“En mis películas necesito la música, pero también el silencio y la mudez. Si fuera por mí volvería al cine mudo. Soy un patriota del cine mudo. En mi caso sonidos e imágenes se alternan. Es mágico lo que sucede cuando desaparece la imagen. Como cuando en la ópera Moisés y Aarón, de Arnold Schönberg, el coro canta desde los palcos, no desde el escenario, el teatro está a oscuras y la imagen por fin desaparece. También me gusta cuando en el cine todo se oscurece unos minutos y sólo se escucha algo. Ese momento es mi ídolo. Y a la inversa también debe ser posible que sólo haya imagen. Eso de que todo el tiempo tenga que pasar algo, como en televisión, que las personas creen que se rompió el aparato si se va el sonido un momento, lo detesto”, confesó. A fin de cuentas, explicó, “la pausa general es el momento más dramático en la ópera. El momento del silencio puede llevar a la música al clímax”.

 

* Fragmento de una nota en Página/12 comentando y resumiendo una conferencia del escritor y cineasta Alexander Kluge, en un evento organizado por la Untref, que se puede ver completa aquí.


“El arte entre la tecnología y la rebelión. En torno al ’68”, de Yuyo Noé (novedad editorial)

web: www.luisfelipenoe.com

instagram: https://www.instagram.com/yuyonoe/

facebook: https://www.facebook.com/noeyuyonoe


De Lucia Joyce, espíritu sin freno a la sombra del genio, sólo hay una historia en retales

Este domingo se conmemoran 113 años del natalicio de la bailarina de danza moderna e hija del autor de Ulises, cuya vida quisieron silenciar

Foto

▲ Captura de pantalla del documental The Dancer Locked Away for 50 Years: A Candle Burned Bright. Lucia fue borrada de la historia familiar y murió en el anonimato en 1982, en un maniconio de Northampton.Foto Captura de pantalla
Fabiola Palapa Quijas
Periódico La Jornada
Sábado 25 de julio de 2020, p. 2

La vida de Lucia Joyce (1907- 1982), hija de los reinos imaginativos que su padre James Joyce creó, está rodeada de misterios. Su historia ha sido contada a partir del testimonio de conocidos e interpretaciones de los biógrafos, porque la familia ha luchado por mantener en secreto la vida de la joven que inspiró Finnegans Wake.

Lucia Joyce nació en Trieste, el 26 de julio de 1907, en una sala de hospital destinada a atender mendigos, tres años después de que sus padres salieron de Irlanda, donde James Joyce temía que su genio jamás sería reconocido.

A diferencia de Giorgio, su hermano mayor, un niño agraciado y adorado por su madre, Lucia era enfermiza y sufría de estrabismo. Cuando cumplió siete años ya había vivido en cinco domicilios diferentes debido a los problemas de su padre con el alcohol y para pagar la renta.

Lucia fue borrada de la historia familiar y murió en el anonimato en 1982, a los 75 años, en un maniconio de la ciudad inglesa de Northampton. Stephen Joyce, hijo de Giorgio, destruyó las cartas que su tía escribió a su padre y convenció a Samuel Beckett de seguir su ejemplo. Sin embargo, con la biografía Lucia Joyce: To Dance in the Wake, de Carol Loeb Shloss, especialista joyceana y profesora en la Universidad de Stanford, es posible conocer la historia perdida de la hija del escritor irlandés como bailarina parisina.

En su libro, Shloss acusa de querer etiquetar a Lucia en el estereotipo de la hija loca de un hombre genial, en lugar de reconocerla como artista talentosa, obligada a vivir al margen de la creatividad de alguien más.

Revela también que el escritor amaba a Lucia y compartían un profundo vínculo creativo. James la describió como un “ser fantástico salvaje, hermoso, cuya mente era tan clara y tan indiferente como el rayo.

Lucia fue discípula de Raymond Duncan, hermano de Isadora; también dibujaba y pintaba; escribía cartas y diarios, y, al parecer, fue autora de una novela hoy perdida. Como integrante de la compañía Rythme et Couleur fue seleccionada para interpretar un dúo cómico de danza en un corto de Jean Renoir.

Tenía 21 años y era una conocida bailarina de danza moderna. Un reportero de París escribió en 1928: Cuando sus dotes para la danza rítmica alcancen plenitud, James Joyce tal vez sea conocido como el padre de Lucia.

 

La nota sigue, completa en el diario La Jornada.


Inauguración: “León Ferrari: La bondadosa crueldad” (27/4 – 20hs. Bar La tribu)

LA BONDADOSA CRUELDAD
-León Ferrari​-

“Ut pictura poesis” – Así como la pintura también la poesía – proclamó Horacio.

“La pintura es poesía muda y la poesía es pintura que habla” reveló Simónides de Ceos.

 

Tenemos el agrado de invitarles a la inauguración de LA BONDADOSA CRUELDAD, del artista León Ferrari, donde mostraremos parte de su obra ecológica. Tal como él la llamo al referirse a los poemas que alberga el libro que lleva por título este mismo nombre. Por renunciar lo más posible a su condición matérica, las palabras son el recurso más fácil de renovar.

Dialogando con una selección de sus ensamblajes y ready mades, los textos, habilitan una lectura del hoy al mismo tiempo que nos interpelan y comprometen como sujetos políticos y de derechos. 

Curaduría: Natalia Revale, Ayelén Rodriguez y Javier del Olmo.

Agradecemos a la Fundación Augusto y León Ferrari y al taller Humano por el apoyo y las ideas.

Diseño gráfico: dosRíos [diseño&comunicación]

Fotografía: Javier Gramuglia

Inauguración: Viernes 27 de abril – 20hs. 

 

Bar La tribu. Lambaré 873. CABA.

Occidente siente una singular y doble pasión por la crueldad. Frente a Jesús crucificado llora dos mil años y la rechaza; frente a los padeceres de quienes el atormentado en la cruz condena al tormento, la comprende, justifica y alienta. La crueldad es injusta cuando la sufre Jesús unas horas y justo castigo cuando anuncia que millones la sufrirán eternamente.

Este doble concepto de justicia forma parte de nuestra cultura. Sobre un fondo de vírgenes, ángeles y palomas, los artistas cristianos pintaron el dolor lamentado: corazones sangrantes, coronas de espinas, la cabeza del Bautista y crucifijos, innumerables crucifijos que nos rodean adornando cementerios, comisarias, colectivos y cuarteles. 

Los mismos pinceles – Fra Angélico, Giotto, Miguel Ángel – pusieron su destreza al servicio de la intimidación religiosa pintándolo que para ellos es la crueldad justa, merecido castigo a paganos e impíos: diluvios, Sodoma, primogénitos egipcios, Jericó, Apocalipsis, Juicios Finales, infiernos.

Creyentes e incrédulos coinciden en no cuestionar éticamente esas obras. Los creyentes, porque la tortura forma parte de su ética. Los incrédulos, porque adictos a la estética no miran la ética: si el cuadro está bien pintado no importa que exalte un crimen. 

Este singular aspecto de nuestra cultura, la crueldad tan íntimamente mezclada con la bondad que la oculta, puede haber sido el origen de “los cuadros escritos” que este libro alberga.

 León Ferrari.


Presentación: “En terapia”, de Luis Felipe “Yuyo” Noé, en el MNBA

* Libro de Yuyo Noé con sus dibujos de cuando hizo análisis en los ’70, los posteriores, y algunas pinturas.

** Más info, abajo, y en la web del Bellas Artes.


Se inaugura muestra: Grupo Escombros | PANCARTAS 1988-2018 – 30 años

Grupo Escombros
PANCARTAS
1988-2018
30 años

Apertura: Sábado 24 de marzo, 17 HS
Día Nacional por la Memoria, la verdad y la justicia

Cierre: 5 de Mayo

La actividad del grupo comienza con un grafiti o pintada el 9 de julio de 1988 en un terreno baldío del barrio de San Telmo, cuya imagen fotografiada envían por correo como postal. Arte de la enunciación: somos artista de lo que queda. Una pared, unos escombros, la relación entre los términos y los significantes.

Al poco tiempo en noviembre realizan Pancartas I, una muestra a partir de una marcha de foto performances en pancartas que se exhiben debajo de la autopista, en Paseo Colón y Cochabamba en el barrio de San Telmo y que luego pasean por las calles forma colectiva presentando la documentación de la serie de escenas realizadas en un espacio ” arrasado” en donde una serie de cuerpos forman figuras que evocan el horror, la tortura, el pasado reciente, la condición humana.

Tomando como soporte de exhibición pancartas pintadas de negro presentan 13 fotografías en blanco y negro, registro de diversas performances realizadas entre el 9 de julio y el 5 de noviembre en Buenos Aires y La Plata, junto a ellas muestran también la tarjeta de invitación y el catálogo donde el grupo escribió sus ideas básicas. El primer elemento que colocaron fue un enorme cartel que decía Galería de Arte: Expone Grupo Escombros. La situación finalmente consistió en la exhibición de 2 horas, en donde se sirvió un refrigerio a los espectadores que se acercaban sumándose más tarde a una marcha con las mencionadas pancartas por la Avenida Paseo Colón. Junto al grupo marcharon unas 200 personas. En el catálogo presentado se orientaba sobre la búsqueda del grupo: “expresamos lo roto, lo quebrado, lo violado, lo vulnerado, lo despedazado. Es decir, el hombre y el mundo de aquí y ahora”

Maria de los Ángeles Rueda

Escombros nace en 1988, en plena hiperinflación, como de arte público. En esa Argentina donde el valor económico de las cosas cambiaba hora a hora, todo parecía derrumbarse, incluso la democracia reconquistada al costo de 30.000 desaparecidos y heridas colectivas que tal vez nunca cierren. Al analizar esta situación social, política y económica, los artistas fundadores del grupo se preguntaron qué iba a quedar del país. La respuesta fue: “los escombros”. Ese día el grupo adquirió su nombre. 

Junto al nombre, y más allá de los cambios inevitables, hay características que se mantuvieron intactas:

• La mayoría de las obras se realizaron al aire libre, una calle,
una plaza, una cava, un arroyo urbano
• Siempre expresan la realidad sociopolítica que el país vive
en ese momento
• Se expresa a través de todas las formas posibles de comunicación: instalaciones, manifiestos, murales, objetos, afiches, poemas, grabados, charlas, poemas visuales, graffitis, tarjetas postales, net art.

Las obras de Escombros están dirigidas a todo tipo de público, sin excepción; trabajan con otros artistas y/o con los espectadores, que de esta manera se convierten en coautores de sus propuestas. El eclecticismo, las técnicas mixtas y una constante búsqueda de nuevas formas moldean cada una de las creaciones.

Sus integrantes provienen de diversas disciplinas: plástica, periodismo, diseño, arquitectura. Sus trabajos son siempre colectivos, anulándose las individualidades que lo componen. No pertenecen a ningún partido político ni credo religioso en particular. A pesar de denunciar permanentemente las condiciones de absoluta injusticia en la que viven los hombres, mujeres y niños de Argentina y América Latina es una simplificación errónea decir que se trata sólo de un grupo de protesta.

Como antecedentes dentro del mundo del arte baste recordar que algunos de los artistas que integran el grupo fueron co-fundadores del Movimientos Diagonal Cero, creado por Antonio Edgardo Vigo (1968); participaron de los happenings del instituto Di Tella (1969); representaron a la Argentina en la 7ma. Bienal de París (1971); integraron el Grupo de los 13 del CAYC (1972), grupo con el que ganaron la XIV Bienal de San Pablo, etc.-

Av. Almirante Brown 808 – CABA
Twitter: @walden_gallery 
Instagram: walden_gallery


#Fotos: Joan Miró en el MNBA

* Algunas fotos de la exposición Miró: la experiencia de mirar, en el Museo Nacional de Bellas Artes (hasta fines de febrero de 2018).


Inauguración: Luis Felipe Noé – Vicente Zito Lema Memoria del presente – 1976-2017

Luis Felipe Noé – Vicente Zito Lema
Memoria del presente- 1976-2017
“Toda la vida se reduce
cuando alguien en la noche grita
mientras otro cierra la ventana…” (VZL)

Los invitamos a la inauguración de la exposición “Memoria del presente” – obras de Luis Felipe Noé y Vicente Zito Lema, el próximo sábado 1° de abril, a las 20hs. en Bar La tribu.

                                                                                               Los esperamos!

Inauguración: sábado 1 de abril – 20hs
Cierre: sábado 20 de mayo

Curaduría: Natalia Revale – Javier del Olmo

Diseño gráfico: Estudio Dos Ríos
Producción serigráfica: Cumby Giraudi – Lucho Gatti


Videos: Modos de ver (John Berger), BBC, 4 episodios

* A modo de homenaje al gran John Berger, que está cumpliendo 89 años.

Ways of Seeing de John Berger: Episodio 1 Psychological Aspects

 

Ways of Seeing de John Berger: Episodio 2 Women in Art

 

Ways of Seeing de John Berger: Episodio Collectors and Collecting

 

Ways of Seeing de John Berger: Episodio 4 Commercial Art