Inauguración: “León Ferrari: La bondadosa crueldad” (27/4 – 20hs. Bar La tribu)

LA BONDADOSA CRUELDAD
-León Ferrari​-

“Ut pictura poesis” – Así como la pintura también la poesía – proclamó Horacio.

“La pintura es poesía muda y la poesía es pintura que habla” reveló Simónides de Ceos.

 

Tenemos el agrado de invitarles a la inauguración de LA BONDADOSA CRUELDAD, del artista León Ferrari, donde mostraremos parte de su obra ecológica. Tal como él la llamo al referirse a los poemas que alberga el libro que lleva por título este mismo nombre. Por renunciar lo más posible a su condición matérica, las palabras son el recurso más fácil de renovar.

Dialogando con una selección de sus ensamblajes y ready mades, los textos, habilitan una lectura del hoy al mismo tiempo que nos interpelan y comprometen como sujetos políticos y de derechos. 

Curaduría: Natalia Revale, Ayelén Rodriguez y Javier del Olmo.

Agradecemos a la Fundación Augusto y León Ferrari y al taller Humano por el apoyo y las ideas.

Diseño gráfico: dosRíos [diseño&comunicación]

Fotografía: Javier Gramuglia

Inauguración: Viernes 27 de abril – 20hs. 

 

Bar La tribu. Lambaré 873. CABA.

Occidente siente una singular y doble pasión por la crueldad. Frente a Jesús crucificado llora dos mil años y la rechaza; frente a los padeceres de quienes el atormentado en la cruz condena al tormento, la comprende, justifica y alienta. La crueldad es injusta cuando la sufre Jesús unas horas y justo castigo cuando anuncia que millones la sufrirán eternamente.

Este doble concepto de justicia forma parte de nuestra cultura. Sobre un fondo de vírgenes, ángeles y palomas, los artistas cristianos pintaron el dolor lamentado: corazones sangrantes, coronas de espinas, la cabeza del Bautista y crucifijos, innumerables crucifijos que nos rodean adornando cementerios, comisarias, colectivos y cuarteles. 

Los mismos pinceles – Fra Angélico, Giotto, Miguel Ángel – pusieron su destreza al servicio de la intimidación religiosa pintándolo que para ellos es la crueldad justa, merecido castigo a paganos e impíos: diluvios, Sodoma, primogénitos egipcios, Jericó, Apocalipsis, Juicios Finales, infiernos.

Creyentes e incrédulos coinciden en no cuestionar éticamente esas obras. Los creyentes, porque la tortura forma parte de su ética. Los incrédulos, porque adictos a la estética no miran la ética: si el cuadro está bien pintado no importa que exalte un crimen. 

Este singular aspecto de nuestra cultura, la crueldad tan íntimamente mezclada con la bondad que la oculta, puede haber sido el origen de “los cuadros escritos” que este libro alberga.

 León Ferrari.


Se inaugura muestra: Grupo Escombros | PANCARTAS 1988-2018 – 30 años

Grupo Escombros
PANCARTAS
1988-2018
30 años

Apertura: Sábado 24 de marzo, 17 HS
Día Nacional por la Memoria, la verdad y la justicia

Cierre: 5 de Mayo

La actividad del grupo comienza con un grafiti o pintada el 9 de julio de 1988 en un terreno baldío del barrio de San Telmo, cuya imagen fotografiada envían por correo como postal. Arte de la enunciación: somos artista de lo que queda. Una pared, unos escombros, la relación entre los términos y los significantes.

Al poco tiempo en noviembre realizan Pancartas I, una muestra a partir de una marcha de foto performances en pancartas que se exhiben debajo de la autopista, en Paseo Colón y Cochabamba en el barrio de San Telmo y que luego pasean por las calles forma colectiva presentando la documentación de la serie de escenas realizadas en un espacio ” arrasado” en donde una serie de cuerpos forman figuras que evocan el horror, la tortura, el pasado reciente, la condición humana.

Tomando como soporte de exhibición pancartas pintadas de negro presentan 13 fotografías en blanco y negro, registro de diversas performances realizadas entre el 9 de julio y el 5 de noviembre en Buenos Aires y La Plata, junto a ellas muestran también la tarjeta de invitación y el catálogo donde el grupo escribió sus ideas básicas. El primer elemento que colocaron fue un enorme cartel que decía Galería de Arte: Expone Grupo Escombros. La situación finalmente consistió en la exhibición de 2 horas, en donde se sirvió un refrigerio a los espectadores que se acercaban sumándose más tarde a una marcha con las mencionadas pancartas por la Avenida Paseo Colón. Junto al grupo marcharon unas 200 personas. En el catálogo presentado se orientaba sobre la búsqueda del grupo: “expresamos lo roto, lo quebrado, lo violado, lo vulnerado, lo despedazado. Es decir, el hombre y el mundo de aquí y ahora”

Maria de los Ángeles Rueda

Escombros nace en 1988, en plena hiperinflación, como de arte público. En esa Argentina donde el valor económico de las cosas cambiaba hora a hora, todo parecía derrumbarse, incluso la democracia reconquistada al costo de 30.000 desaparecidos y heridas colectivas que tal vez nunca cierren. Al analizar esta situación social, política y económica, los artistas fundadores del grupo se preguntaron qué iba a quedar del país. La respuesta fue: “los escombros”. Ese día el grupo adquirió su nombre. 

Junto al nombre, y más allá de los cambios inevitables, hay características que se mantuvieron intactas:

• La mayoría de las obras se realizaron al aire libre, una calle,
una plaza, una cava, un arroyo urbano
• Siempre expresan la realidad sociopolítica que el país vive
en ese momento
• Se expresa a través de todas las formas posibles de comunicación: instalaciones, manifiestos, murales, objetos, afiches, poemas, grabados, charlas, poemas visuales, graffitis, tarjetas postales, net art.

Las obras de Escombros están dirigidas a todo tipo de público, sin excepción; trabajan con otros artistas y/o con los espectadores, que de esta manera se convierten en coautores de sus propuestas. El eclecticismo, las técnicas mixtas y una constante búsqueda de nuevas formas moldean cada una de las creaciones.

Sus integrantes provienen de diversas disciplinas: plástica, periodismo, diseño, arquitectura. Sus trabajos son siempre colectivos, anulándose las individualidades que lo componen. No pertenecen a ningún partido político ni credo religioso en particular. A pesar de denunciar permanentemente las condiciones de absoluta injusticia en la que viven los hombres, mujeres y niños de Argentina y América Latina es una simplificación errónea decir que se trata sólo de un grupo de protesta.

Como antecedentes dentro del mundo del arte baste recordar que algunos de los artistas que integran el grupo fueron co-fundadores del Movimientos Diagonal Cero, creado por Antonio Edgardo Vigo (1968); participaron de los happenings del instituto Di Tella (1969); representaron a la Argentina en la 7ma. Bienal de París (1971); integraron el Grupo de los 13 del CAYC (1972), grupo con el que ganaron la XIV Bienal de San Pablo, etc.-

Av. Almirante Brown 808 – CABA
Twitter: @walden_gallery 
Instagram: walden_gallery


#Fotos: Joan Miró en el MNBA

* Algunas fotos de la exposición Miró: la experiencia de mirar, en el Museo Nacional de Bellas Artes (hasta fines de febrero de 2018).


Inauguración: Luis Felipe “Yuyo” Noé 60 – 20 – 60

LUIS FELIPE NOÉ . 60-20-60 . 

Inauguración con invitación: martes 29/08, de 18 a 21 horas.

Al público a partir del 30/08 – Cierre 27/10.

GALERÍA RUBBERS INTERNACIONAL – NUEVO ESPACIO: 
AVENIDA ALVEAR 1640, PB.

 


#Fotos: Yuyo Noé, “Mirada prospectiva” (MNBA)

* Algunas fotos de la megamuestra de Yuyo Noé, Mirada prospectiva (100 obras), en el Museo Nacional de Bellas Artes. (La muestra se mantiene abierta hasta el 20 de septiembre.)

(Hacer clic en las imágenes para agrandar.)

 


polémica ante la edición 14 de ‘Documenta’

Leemos en el diario mexicano La Jornada sobre el desdoblamiento de las sedes para la catorceava edición de Documenta, en la cual, además, participará la artista argentina Marta Minujín con un remake de su Partenón de libros:

 

La edición 14 de ese escaparate mundial del arte contemporáneo se iniciará el sábado

Documenta se desdobla; sale de Kassel, recala en Atenas y desata polémica

La crisis griega propicia abrir un espacio de imaginación, pensamiento y acción, en lugar de seguir la desoladora configuración neoliberal que se ofrece como (no) acción, opina experto

Alejandra Ortiz Castañares
Especial para La Jornada
Periódico La Jornada
Miércoles 5 de abril de 2017, p. 4

Atenas.

La edición 14 de Documenta, gran escaparate del arte contemporáneo a escala mundial, comenzará esta vez en la capital griega.

Con el lema Aprendiendo de Atenas, dirigida por Adam Szymczyk (Polonia, 1970), tendrá su jornada inaugural el 8 de abril con una novedad: su duplicación temporal y espacial en el área quizá más problemática de Europa, lo cual desata polémicas.

Por primera vez, Documenta sale de su histórica sede en Kassel –ciudad industrial situada en el centro de Alemania– ampliando el tiempo de exhibición de tres a seis meses, acogiendo nuevo público (el del sur de Europa) y en coincidencia con la apertura de ambas sedes por cinco semanas a partir de la inauguración de la muestra en Kassel, el 10 de junio.

En 1955 el artista y arquitecto Arnold Bode (1900-1977) dio vida a Documenta con la convicción de que tras la destrucción física y moral después de la Segunda Guerra Mundial. Alemania podía redificarse desde el arte en cuanto a su facultad de introspección y análisis, y a la consecuente superación del sentimiento de pérdida.

La migración concierne a todos

Annette Kulenkampff, directora general de Documenta, explicó en entrevista con el periódico griego conservador Kathimerini que la elección de Atenas tenía que ver con la misma motivación que llevó a fundar la institución cuando el pueblo en Alemania abrumado por el presente no lograba ver un futuro. Un paralelo equivalente a la actual situación de Atenas. Nos interesaba, además, por el momento de cambio que se vive no sólo en Europa, sino en el mundo. La cuestión de la migración, por ejemplo, concierne a todos. Atenas destaca porque sus residentes no sólo tienen que lidiar con los problemas prácticos de la cotidianidad, sino también con asuntos existenciales (26/2/16, versión en inglés).

Esa decisión ubica a Atenas en el centro de atención; la crema del arte y la prensa global escribirán, abordarán su problemática, habrá debates y desmenuzarán su realidad.

Sin embargo, Grecia tiene una herida abierta; padece la mayor tasa de desempleo de la Unión Europea (28 por ciento), donde los embates de las finanzas europeas (en particular la alemana) a través de la troika la ha puesto frente a una política de austeridad presupuestaria extrema, con la consecuente y brutal expropiación de sus recursos que están en manos extranjeras: terminales marítimas, aeropuertos, electricidad, ferrovías y recientemente el metro y el agua potable.

Los encargados de la empresa que distribuye el agua, durante una protesta frente al Parlamento, el pasado septiembre, tras la aprobación de un nuevo paquete de reformas, gritaban: ¡Ahora les falta vender la Acrópolis. Están malbaratando la riqueza y la soberanía del país!

Si la prensa de Alemania vio con recelo el desdoblamiento de Documenta, pues los principales patrocinadores son de ese país, el mundo del arte ateniense se ha mostrado abierto o implícitamente hostil.

En una entrevista con Spike Magazine, el ex ministro de Finanzas, Yanis Varoufakis (casado con la artista Danae Stratou), afirmó: “Debo decir que no estoy muy contento con la idea de que una parte de Documenta tendrá lugar en Atenas. Es como un turismo de la crisis. Es un truco para explotar la tragedia en Grecia con la finalidad de masajear la conciencia de algunas personas. Es como si los ricos estadunidenses hicieran una gira por un país africano pobre, en un safari, yendo a una cruzada de turismo humanitario. Me parece ofensiva e inútil tanto artística como políticamente”.

Un antecedente de esa descentralización geográfica fue la propuesta de Carolyn Christov-Bakargiev en Documenta (13), donde había incluido en el programa lugares tan dispares como Kabul, Afganistán, Alejandría, en Egipto, y Banff, en las montañas canadienses, aunque considerados sedes satélites, secundarias.

Sin embargo, la lógica de antítesis curatorial ya la habían planteado Szymczyk y Elena Filipovic, curadores de la quinta Bienal de Berlín en 2008, dividiendo la muestra en dos partes: una se desarrollaría durante el día y la otra por la noche.

El público mexicano recordará a Adam Szymczyk, por la curaduría de la exposición Olinka o donde se crea el movimiento, montada en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo en el invierno de 2012-2013.

Szymczyk es considerado un mago de la curaduría, un descubridor de talentos, un anticonvencional y un explorador de la jungla artística global.

En un simposio, efectuado en octubre de 2014, explicó que “la posición de anfitrión después de 13 citas en Kassel parecía no ser sostenible; había que cuestionarla, aunque fuera de manera temporal y mostrar las tensiones entre el Norte y el Sur, como se articula e interpreta en la producción cultural contemporánea.

“Atenas, siendo una metrópoli mediterránea, permite alargar el discurso artístico al ser un crisol de culturas provenientes de Europa, África, Medio Oriente y Asia. Los artistas han sido invitados para crear dentro de la dinámica de esas dos ciudades.

“La ‘crisis griega’ propicia la oportunidad de abrir un espacio de imaginación, pensamiento y acción, en lugar de seguir la desoladora configuración neoliberal que se ofrece como (no) acción, implícita en la (no) elección de la austeridad”, concluyó.

La nota completa acá.


Inauguración: Luis Felipe Noé – Vicente Zito Lema Memoria del presente – 1976-2017

Luis Felipe Noé – Vicente Zito Lema
Memoria del presente- 1976-2017
“Toda la vida se reduce
cuando alguien en la noche grita
mientras otro cierra la ventana…” (VZL)

Los invitamos a la inauguración de la exposición “Memoria del presente” – obras de Luis Felipe Noé y Vicente Zito Lema, el próximo sábado 1° de abril, a las 20hs. en Bar La tribu.

                                                                                               Los esperamos!

Inauguración: sábado 1 de abril – 20hs
Cierre: sábado 20 de mayo

Curaduría: Natalia Revale – Javier del Olmo

Diseño gráfico: Estudio Dos Ríos
Producción serigráfica: Cumby Giraudi – Lucho Gatti


#Fotos: “Gyula Kosice (1924-2016)”, en el MNBA

* Algunas fotos que tomé en la muestra-homenaje al gran artista-poeta-visionario en el Museo Nacional de Bellas Artes (se mantiene hasta fines de diciembre).

(Hacer clic en cada imagen para agrandar. Y ver, al final de la galería, un breve video)


Exposición Homenaje a Gyula Kosice en el Museo Nacional de Bellas Artes (desde el 11 de octubre)

Exposición Homenaje a Gyula Kosice en el Museo Nacional de Bellas Artes

El martes 11 de octubre a las 19 horas se inaugura la muestra Gyula Kosice (1924-2016). Exposición homenaje en el Museo Nacional de Bellas Artes.

La exposición, que estará abierta hasta diciembre del 2016 en las Salas 39 y 40 del primer piso, es un homenaje al artista plástico fallecido el último 25 de mayo, y comprende obras históricas y recientes. Se incluyen esculturas hidrocinéticas, lumínicas, pinturas Madí, maquetas de la Ciudad Hidroespacial y piezas interactivas pertenecientes a las colecciones del Museo Nacional de Bellas Artes, del Museo Castagnino+macro, del Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori, y del propio Museo Kosice, entre otras.

A 25 años de la exposición retrospectiva Kosice – Obras 1944 / 1990, el Museo Nacional de Bellas Artes vuelve a recibir a las obras de un artista, teórico y poeta que marcó la historia del siglo XX y del XXI con sus propuestas de vanguardia.

El Museo Kosice, por su parte, es la institución dedicada a preservar y difundir la obra de Gyula Kosice. Creado por el propio artista en el 2005 como extensión de su taller en el barrio porteño de Almagro, cuenta con la más importante colección de piezas realizadas a lo largo de sus más de 70 años de creación artística.

Copyright © 2016 Museo Kosice, Todos los derechos reservados

Museo Kosice

Humahuaca 4662

Buenos AiresCABA  C1192

Argentina

A 50 años de ‘Antiestética’: diálogo con “Yuyo” Noé

antiestetica1-67b9a9df7916843383464c3473bb3088-1024-1024* Publicado en la sección Cultura de La Izquierda Diario

Conversar con Yuyo Noé es intenso. (Ya habíamos tenido otro diálogo, extenso, de corte autobiográfico, también publicado en La Izquierda Diario, a comienzos de 2015) Activo, lleno de planes, Noé nos muestra una mesa repleta de papeles, impresos y manuscritos –fragmentos y borradores de libros–, y conversa sobre la reciente reedición de Antiestética (por Ediciones de la Flor) y varios proyectos y actividades: nuevos libros y reediciones, nuevas muestras, y toda clase de planteos y reflexiones sobre arte, historia y política. También, brinda un recuerdo sobre Gyula Kosice, Arte concreto y Madí. Una charla con un amplio abanico de temas, donde Yuyo, a sus 83 años, sigue creando obras, y además anticipa sus próximos planes: una muestra este año, en la Galería Rubbers –su galería habitual–, y otra en el Museo Nacional de Bellas Artes, para 2017.

Yuyo, para empezar, comentá esta reedición

- Este libro, Antiestética, fue publicado hace cincuenta años. El año pasado se cumplieron los cincuenta años, y por eso lo reedité.

¿Y le cambiaste algo, le sacaste, agregaste…?

- No cambié absolutamente nada. Eso sí: tiene muchos prólogos esto. Está mi primer prólogo. Mi segundo prólogo, que se llama “Prólogo a la reincidencia” [de 1988]. Y este tercer prólogo, para esta edición, y dos prólogos más: uno de Cecilia Ivanchevich, colaboradora mía, y otro de [Eduardo] Stupía.

Stupía considera que este libro es de una época. Y que es distinta la época actual. Esta reedición la ve como una cosa de concepto histórico. En cambio, Cecilia lo ve como un presente –como me lo dice mucha gente–.

 

¿Y vos cómo lo ves?

- Yo lo veo como presente. Como un presente que no es anecdóticamente presente. Quiero decir: acontecen muchas cosas, y uno por ejemplo las responde; pero luego acontecen otras. Pero esas otras que acontecen después, y que parecen cambiar el panorama, tienen que ver implícitamente con esas primeras. Porque todo está generado por algo. Entonces, si querés, esto es un tiempo anterior a un tiempo presente; pero el tiempo anterior a nuestro presente está presente. Y tiene que ver con mi teoría del caos. Y creo que, en cierto modo, es actual en la medida en que preveo cosas que luego han ocurrido después.

Pero claro: es una época. Yo, cuando hice este libro, estaba haciendo obras muy caóticas, en el sentido de que eran obras complejas, que se relacionaban entre sí, pero hacían una. Instalaciones que continuaban por la pared, por el techo, por el piso… Luego, en un momento, esas cosas las tenía en Estados Unidos, porque fui con la Beca Guggenheim, en el año 65, 66…

Es un momento donde la teoría acompañaba a la práctica

- Sí, sí. Y entré en crisis después. Porque se veía que algo no lo podía concretar. Porque eran obras que hacía y deshacía. Pero estaba en mi espíritu el que no me importara deshacerlas. Porque sentía que todo cambiaba y que yo cambiaba también con el tiempo. Y me fui politizando cada vez más. Fue un momento en el que después publiqué un folleto que se llamó El arte de América latina es la revolución. Como que el arte refleja una sociedad, y si la sociedad no está constituida realmente con una presencia de poder, de poder ser –“poder” en el sentido de poder ser–, no puede generar nada. ¡Si no puede generar realmente poder ser cómo va a manifestarse como es! Entonces esa era la idea de esta segunda etapa. Una segunda etapa que me llevó a escribir un libro, que no publiqué, que se llamaba El arte entre la tecnología y la rebelión. Lo escribí, estaba casi terminado. Fue entre el 67 y el 72, aproximadamente. Pero por algo no lo publiqué. Lo podría haber terminado, pero no lo publiqué porque creo que lo que planteaba lo hacía muy lúcidamente; pero las respuestas eran candorosas. O sea: lo que deseaba… Es que toda la época en torno a lo que se llama “el 68”… Más candoroso no podía ser.

Hay una visión equivocada del 68. Primero se cree que el 68 aconteció en París. El 68 es un eco de lo que estaba aconteciendo en los Estados Unidos, en las universidades –en Berkeley, en Columbia–, y que era la resistencia la guerra de Vietnam. Más un espíritu de época que hacía como un replanteo de muchas cosas.

Si vos ves la causa de la rebelión francesa, es totalmente mínima: era un problema del planteo de una ciudad universitaria. Si podían llevar chicas a los cuartos, porque no podían.

Bueno, eran derechos que pedían los jóvenes estudiantes para su vida cotidiana… algo que fue parte de lo que se conoció como “revolución sexual”…

- Era una tontería en cierto modo, comparado con la otra cosa. Era como un teatro, como una representación. Y como toda representación, termina.

Pero lo interesante es ese espíritu, que en cierto modo continúa, de otra manera. Siempre las cosas continúan, pero de otra manera.

Y volviendo al libro: no lo publiqué porque las respuestas me parecían candorosas. Pero creo hay muchas cosas que las tengo todavía. Las publiqué en cierto modo, en parte, en Noescritos sobre eso que se llama arte, que tiene el material recopilado de cosas escritas por mí, del año siguiente en que escribí este libro [Antiestética]; es decir desde el 66, hasta el 2006.

La nota completa acá.